Espacio Liso. Obras y artistas

ESPACIO LISO. Éxodo o diáspora?

Blanca de la Torre

 

ARTISTAS PARTICIPANTES: Laura F. Gibellini (Nueva York, EEUU), Carlos Irijalba (Amsterdam, Holanda), Aitor Lajarín (Los Ángeles, EEUU), Itziar Barrio (Nueva York, EEUU), Juan Zamora (Nómada), Pepo Salazar, (París, Francia), Diana Coca (Pekín, China), Jota Izquierdo (México DF, México), Momu & No Es (Rotterdam, Holanda), Natalia Ibáñez Lario (México DF, México/Nueva York, EEUU), PSJM (Berlín, Alemania).

 

BREVE SINOPSIS DE OBRAS Y ARTISTAS

 

LAURA F. GIBELLINI (Nueva York, EEUU)

STUDY FOR (A) LANDSCAPE, 2011

3´58″

Motion Graphics: Pablo Jiménez Martin

El trabajo de Laura F. Gibellini gira en torno a la noción de espacio y del significado de “habitar” el mundo. Presta una atención especial a las condiciones en las que determinadas obras de arte encuentran su expresión y se desarrollan en un momento específico, así como coloca el énfasis en el proceso de conceptualización y en cómo la obra de arte puede aparecer como resultado de ese desarrollo.

En el caso de Study for (a) Landscape es una exploración sobre los mecanismos de representación utilizados en los mapas. Se trata de una superposición de realidades y planos espacio-temporales que busca transcender los límites de la topografía (y su dimensión espacial) para explorar diferentes niveles de realidad, memorias y proyecciones.

El video es literalmente un recorrido a través de las líneas de nivel que conforman un mapa del estado de Nueva York, como si dicho mapa fuera ahora un paisaje real. A su vez, ofrece un lienzo en blanco, un espacio para la proyección e identificación donde encontrar el propio lugar (mental, físico y emocional) en el mundo.

 

 

CARLOS IRIJALBA (Ámsterdam, Holanda)

TIME SURFACE, 2014

4’41’’

Carlos Irijalba se apropia de ciertos códigos de lo geológico, tomando en ocasiones como punto de partida lo que podría ser un gesto casi anecdótico para desarrollar sus proyectos de manera rigurosa y precisa. Lo que a primera vista podría parecer un resultado sencillo esconde una filosofía con altas dosis de sofisticación, investigación y producción. Los cuerpos físicos y las atmósferas son tratados en su trabajo con un carácter fílmico y cierto misterio que se intensifica con un uso controlado y direccionado de la iluminación. Todo ello conduce su obra hacia esa dirección entre la experiencia relativa de tiempo y territorio, ese mismo relativismo que el artista aplica a tiempo y distancia para destapar – o encubrir- las ficciones en torno a la construcción colectiva de lo real.

Irijalba presenta aquí un film en 16mm donde lo tecnológico de un tren de alta velocidad nos da acceso a esas dinámicas de lo geológico que en un espacio-tiempo humano parecen estáticas. Hace referencia así a los tiempos- y tempos- geológicos respecto a una perspectiva antropocéntrica, ese “aquí y ahora” que se materializa en la fisicidad y textura que aporta el 16mm y se intensifica con la ausencia de sonido.

 

AITOR LAJARIN (Los Ángeles, EEUU)

TO HIT…OR NOT TO HIT, 2014

1’ 40’’

La obra de Lajarín surge de su contexto más cercano para invitar a repensar y confrontar a una escala mas general aspectos relativos a las condiciones de vida contemporáneas en el marco de las sociedades postindustriales. El artista toma lo cotidiano como un material sensible y legible que, de una manera lúdica, deshace y rehace continuamente mostrando sus múltiples caras y significados posibles. Entiende su trabajo como un juego de especulaciones en el que artista, obra y audiencia se encuentran y participan.

 

Esta pieza de video de la serie “Master” nos muestra una única escena: un ensamblaje escultórico que se levanta desde el suelo en precario equilibrio. A su lado una mano acerca y aleja un palo de billar en tentativa de golpear la base. El artista crea una viñeta de carácter alegórico inspirada en Hamlet en la que se mantiene infinitamente la tensión, la duda y la incertidumbre sin solución de continuidad. La escultura, un sistema en equilibrio, depende de un solo movimiento “diferente” para alterarse y presumiblemente desmoronarse. El vídeo se articula así en torno a la valoración de la acción, el accidente, la consecuencia y el equilibrio en sistemas, contextos y ecosistemas complejos.

 

ITZIAR BARRIO (Nueva York, EEUU)

THE MUSIC YOU WANT ME TO HEAR, 2014

4’ 5 ’’

 

En el trabajo de Itziar Barrio, la música, el cine y otras disciplinas aparecen como referentes recurrentes. Su interés en los signos y símbolos radica en cómo éstos afectan a la creación de identidades, realidades y deseos.

En esta ocasión realizó esta pieza videográfica a partir del casting-performance que tuvo lugar en el Abrons Arts Center de Nueva York para elegir a los cuatro personajes de la nueva etapa del proyecto THE PERILS OF OBEDIENCE y con claras referencias a la película Instinto básico (1992).  El hilo conductor es una conversación-entrevista en la que las dinámicas de poder y la seducción toman un papel dominante entre el director de escena y uno de los actores. De este modo la fuerza narrativa de lo que, aún sin estar visible, está presente, sirve como mecanismo de construcción de la pieza.

JUAN ZAMORA (Nómada)

THE SKY IS BLUE, 2014

1’34 ’’

 

La obra de Juan Zamora habitualmente toma el dibujo como base, jugando con una apariencia naif para ocultar una complejidad conceptual relacionada con una suerte de crítica cínica con su entorno más cercano. El espectador se siente así parte de un universo donde realidad y ficción interactúan a partir de gestos bastante directos y un lenguaje común al imaginario colectivo.

En esta ocasión realizó el vídeo durante el tiempo que estuvo residiendo en Pekín el pasado año, un momento en el que los especialistas en medio ambiente detectaron el nivel más crítico en el registro de polución de la historia de la ciudad, una de las problemáticas más acuciantes de las metrópolis actuales, y un caso bastante dramático tratándose de las asiáticas, especialmente Pekín.

Como consecuencia la gente enfermaba y el cielo estaba cubierto en blanco debido a este “smog” contaminante. Ante lo irreversible de la situación, Zamora decidió entonces aportar su granito de arena a la ciudad pintando el cielo y devolverle su color azul….con humo…

PEPO SALAZAR (París, Francia)

FAREWELL, 2011

3’31”

En el trabajo de Pepo Salazar subyace la idea de aturdir las fronteras entre las diferentes “prácticas” (música, escultura, instalación, collage, texto, etc) para hablar de la creación como un campo orgánico y no delimitado sino compuesto de células interrelacionables libres.

Farewell es un vídeo con una actitud anti-virtuosa cercana a la simplicidad de las realizaciones de carácter punk-underground. Se trata de un clip para una de las pistas de su segundo álbum “Illcons” de 2011, realizado con un dispositivo móvil y editado con varios programas para usuarios domésticos.

Las imágenes pertenecen a la performance / serie fotográfica “The loft walk among us”, de 2007, con lo que la idea de interrelación entre diferentes aspectos de su trabajo se multiplica en un “sistema” no circunscrito sino mas atómico donde toda “producción” pertenece a una constelación, amplia, no lineal ni estructural en la que las imágenes de una performance pueden acabar siendo un video que a su vez acompaña a una pieza de audio.

Evidencia una intención no moralizante en la idea de ausencia discursiva así como cierta falta de respeto a la idea del trabajo artístico hermético y confiado de sí mismo y la trascendencia de sus conclusiones.

DIANA COCA (Pekín, China)

MAKING OF ‘WHERE IS DIANA?, 2014

Making of ‘Where is Diana? I’ 00:01:02, Making of ‘Where is Diana? II’ 00:04:10

Making of ‘Where is Diana? III’ 00:03:55, Making of ‘Where is Diana? IV’ 00:04:22

Making of ‘Where is Diana? V’ 00:05:00

 

Diana Coca concibe las fronteras en este mundo global como heridas abiertas donde se está dentro y fuera al mismo tiempo, convirtiéndonos en cuerpos fronterizos, entre la máquina y el organismo, entre la tecnología y la animalidad. Su trasfondo teórico está avalado por los conceptos que elabora Michel Foucault sobre el cuerpo, señalándolo como territorio de resistencia que rechaza el poder uniformador de conciencias, que los posee y los consume en la red de mercancías del mercado global.

En este proyecto se conjugan fotografía, performance y videoarte en torno a la relación entre el cuerpo humano y las herramientas de control construidas a su alrededor, un cuerpo objeto y sujeto de protocolos y convenciones. Está focalizado en las fisuras y en los terrenos que suponen un perjuicio y restricción de las libertades públicas y privadas en relación a la identidad del individuo, su cuerpo, sus movimientos y su sexualidad. Asimismo, está enfocado en la reconstrucción de la identidad femenina, a través de autorretratos performativos que permiten replantear el cuerpo femenino y sus límites como lugares de resistencia y reflexión.

JOTA IZQUIERDO (Mexico DF, México)

CAPITALISMO AMARILLO: THE LOTTERY

6’30’’

Jota Izquierdo investiga los flujos informales globales de producción, distribución, migración y trabajo a través de su cuerpo de trabajo que se engloba bajo el proyecto Capitalismo amarillo.

El proyecto toma su nombre a partir de la condición de producción y consumo extendida (pop), del fracaso de los grandes sistemas ideológicos (ismos), y de las condiciones sensacionalistas mediáticas (amarillistas). Una situación paradójica resultado de los continuos fracasos del sistema económico capitalista para resolver sus contradicciones que ha dado lugar a lo que podríamos llamar un capitalismo “amarillista”, de segunda categoría o de menor “calidad”. Conformando en algunos casos resistencias y en otros pura supervivencia, encarnados en contextos locales que generan nuevos modos de producción y venta de diversos artefactos, es decir, culturas híbridas, con otros valores materiales y simbólicos.

Aquí se presenta uno de los vídeos realizados dentro de este cuerpo de trabajo,

En el que la cámara acompaña a Suleyman, immigrante senegalés en Valencia durante la venta nocturna a turistas de objetos inútiles producidos en China (chatarra global).

Momu & No Es (Rotterdam, Holanda)

VIRAL SOFT MUD AND THE FANBOY, 2012

1’38’

Momu & No Es relatan historias verídicas a través de la experiencia de una serie de personajes que directa o indirectamente tuvieron relación con ciertos hechos. Construyen un dialogo estricto entre aquello que reconocen como falso y la construcción creíble de la posibilidad de su existencia.

Viral Soft Mud and the Fanboy explora la construcción de las ficciones y la recepción de los mitos por parte de los espectadores, tomando como leitmotiv una historia musical y las vivencias de ciertas experiencias “fanático-afectivas”.

Casio y Vladimir -joven fan del cantante mexicano Silverio- son vecinos y mantienen una relación marcada por el amor a los ídolos musicales. La trama relata los vínculos que se van estableciendo entre Vladimir, Casio y Silverio, los momentos de adoración, hartazgo y cariño entre ellos, todo ello simbolizado a través de los objetos que produce Vladimir, fragmentos de canciones y videoclips.

A través de las diferentes tecnologías y métodos de relación propios de la música, afectos, activismos e ideologías que van apareciendo, se ponen en cuestión los componentes emocionales y físicos, la consideración de qué es una familia o una comunidad o espacios deseados como lugares de confrontación y cariño.

NATALIA IBÁÑEZ LARIO (México DF, México/Nueva York, EEUU)

15 MINUTOS DE FAMA EN ZÓCALO, 2013

5´56´´

En colaboración con el músico Julián Lede.

Natalia Ibáñez Lario desarrolla grandes performances participativas que alimentan los elementos de la cultura contemporánea a través de exhaustivos loops, así como pinturas digitales que resultan de un diálogo no anticipado entre escáneres y productos cosméticos, extensiones del cuerpo o prótesis; al hacer esto, la autoría de su trabajo es frecuentemente delegada a los logaritmos confusos y las interacciones humanas arbitrarias.

Esta es la cuarta parte de una serie de eventos que se desarrollaron en instituciones artísticas como el Museo de Arte Carrillo Gil, en el Museo Experimental El Eco y en SOMA, todos en Ciudad de México.

Los eventos consistieron en transformar la institución en una pista donde el público pudiera bailar durante una jornada de 12 horas continuas, reforzando el desplazamiento simbólico del espacio artístico hacia un escenario ajeno a sus prácticas acostumbradas. Tiene lugar en la plaza principal de México DF, El Zócalo, y está basado en los desconocidos que se vuelven famosos a través de los hits de sus videos en youtube. La idea del proyecto es hacer de este fenómeno algo físico, real sobre una pista de baile giratoria y subirlo de nuevo a la red a través de youtube y vimeo.

PSJM (Berlín, Alemania)

CORPORATE ARMIES, 2008

2’44’’

PSJM es un equipo artístico formado por Pablo San José y Cynthia Viera que opera como una marca comercial que plantea cuestiones acerca de la obra de arte ante el mercado, la comunicación con el consumidor o la función como cualidad artística, haciendo uso de los recursos comunicativos del capitalismo espectacular para poner de relevancia las paradojas que producen su caótico desarrollo.

 A modo de tráiler de cine, el vídeo Corporate Armies anticipa una trama que hace uso de las estrategias publicitarias de lanzamiento de productos multimedia de la industria del entretenimiento. En él se describe un mundo gobernado por las corporaciones poblado por un ejército de soldados alienados que hace reflexionar sobre el destino del capitalismo globalizado tras su liberación de cualquier limitación impuesta por las instituciones democráticas.

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Un comentario

  1. Me parece que será una exposición muy interesante. Me gusta mucho Diana Coca, la considero una gran artista con un amplio bagaje cultural.

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